Philip Sparke

Scenes from a Comedy (« Scènes de comédie ») n’est pas une composition à programme, mais l’œuvre illustre plusieurs scènes de pantomime dans la tradition de la Commedia dell’Arte. L’Ouverture est courte, mais saisissante. Arlequin entre en scène sur une fanfare jouée par deux trompettes (Entrée d’Arlequin). La clarinette révèle ensuite les friponneries du personnage. Arlequin danse une valse tendre et subtile au bras de sa bien-aimée Colombine (flûte solo). Le jeu de pantomime se dissout dans une finale puissante qui progresse vers une danse champêtre (Finale et danse des paysans).

Alfred Reed

Une mascarade musicale d’après Shakespeare

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Twelfth Night or What You Will (« La Nuit des rois » ou « Ce que vous voudrez »), comme pour tous les écrits de William Shakespeare, a fait l’objet de toutes sortes de recherches, d’examens, d’analyses et de commentaires au cours des quatre derniers siècles; et les diverses interprétations proposées par différents auteurs et commentateurs ont été légion. Peut-être vaut-il mieux, cependant, considérer l’œuvre comme une comédie pure et simple, contenant quelques-uns des plus beaux vers de Shakespeare, la poésie d'une telle musique en elle-même; y ajouter plutôt de la « vraie » musique, ne serait-ce que pour mettre en musique les chansons apparaissant tout au long la pièce, pourrait sembler presque de trop.

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Il n'y a pas de héros tourmentés, de méchants au cœur noir ou d'héroïnes désespérées parmi ses divers personnages; même les trois conspirateurs qui conçoivent le complot contre Malvolio sont simplement la première ligne prononcée au début de la pièce : « Si la musique est la nourriture de l'amour, jouez-la... » donne le ton à l'ensemble, dont le but est simplement de prendre plaisir d’une situation profondément humaine vue de points de vue opposés, et sa résolution dans une fin généralement heureuse.

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Considérée comme une mascarade musicale, une forme de jeu avec musique couramment employée à l'époque de Shakespeare, la présente suite pour orchestre à vents prend la forme de cinq mouvements distincts, chacun lié à un lieu ou à une personne, ou les deux, apparaissant dans la pièce. Le premier, « Prélude : Illyria », met en scène l'action dans la ville animée et trépidante du littoral, où Viola et ses compagnons ont été rejetés de l'épave de leur navire en mer. Le second, « Viola et Orsino », tire son atmosphère de la première ligne de la pièce citée ci-dessus, et décrit leur passion croissante l'un pour l'autre. Le troisième, « Les Joyeux Conspirateurs », dépeint Sir Toby Blech, Sir Andrew Aguecheek et Maria alors qu'ils complotent et dressent des plans contre Malvolio. Le quatrième, « La Complainte de Malvolio en prison », est son plaidoyer d'innocence pour ce qui s'est passé pour l'y enfermer. Et le cinquième, « Un mariage double et tout finit bien! », vient résoudre l'ensemble de l'action, avec tous les malentendus et blagues pratiques enfin dissipés, et les deux couples amoureux unis comme ils avaient espéré l’être (et le public aussi ?) tout au long.

Jan Van der Roost

I Shall Love But Thee (« Je n’aimerai que toi ») est une « œuvre de circonstance » dans l’un des sens littéraux du terme, puisqu’elle fut écrite à l’origine à l’occasion du mariage du fils cadet du compositeur. Composée à la base pour soprano et orchestre de chambre, l’œuvre a tout de suite captivé les musiciens et le public. À la demande de la Fanfare royale Kempenbloei d’Achel, en Belgique, Jan Van der Roost a créé un arrangement pour fanfare, dont la première fut interprétée par cet excellent ensemble le 15 juillet 2017 au cours du World Music Contest à Kerkrade aux Pays-Bas. Après ce succès, une version pour grand orchestre à vents a suivi, aussi par le compositeur.

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Les textes magnifiques sont de William Shakespeare, soit son 18e Sonnet qu’on retrouve dans la première partie, calme, et une citation de sa pièce Hamlet dans la deuxième partie, celle-ci festive. On entend et on sent le génie du grand auteur dès les premiers mots…  Ils ont inspiré Jan Van der Roost à écrire de la musique profonde et attrayante qui, au niveau du style, nous rappelle Henry Purcell (dans la première partie) et Georg Friedrich Haendel (dans la deuxième moitié), deux compositeurs qui ont mis en musique des textes de Shakespeare, bien qu’on n’y retrouve pas de citations littérales. Le regroupement, plutôt rare, de la soprano et de la fanfare fonctionne comme un rêve lorsque l’équilibre est bon, pour éviter que la soliste ne force sa voix.

Sergueï Prokofiev
Transcription de Johan De Meij

Le ballet Roméo et Juliette de Prokofiev est basé sur la pièce de Shakespeare du même nom et a connu sa première exécution sur scène en 1938. Avec Roméo et Juliette de Sergueï Prokofiev, nous repartons pour Italie. Cependant, cela ne concerne principalement que le scénario, car les influences directes des cultures musicales étrangères sont assez minimes comparativement aux œuvres de Glinka, Tchaïkovski et Chostakovitch. On peut cependant discerner une certaine « italienneté » dans la flottabilité et la transparence de la Danse du matin, écrite à l'origine pour mandolines et viole d'amour. Néanmoins, une grande partie de ce ballet unique est essentiellement russe : la puissance du thème de l'amour douloureux qui est employé comme un leitmotiv, les sons associés au frère Laurent, qui évoquent également la musique d'église orthodoxe séculaire, et les scènes de combat dont les rythmes rappellent des œuvres comme la Suite scythe de Prokofiev. Après que Prokofiev eut commencé à composer Roméo et Juliette, il fallut des années avant que le ballet complet ne soit finalement joué à Brno en 1938. Mais le compositeur n'était pas disposé à attendre et, entre-temps, il a combiné des numéros musicaux individuels en suites; celles-ci ont connu un succès immédiat sur la scène des salles de concert. Bien que certains des danseurs aient été au début très mal disposés à l’égard de l’œuvre en raison de sa musique irrégulière et apparemment incompréhensible, celle-ci a rapidement conquis les scènes du monde à partir des années 1940. Roméo et Juliette a longtemps été considéré comme le standard de la danse soviétique. La magie de cette musique reste intacte encore à ce jour : la grâce flottante de Juliette, les accords des vents puissants et incisifs du prince de Vérone et l'élégance sombre des Montaigu et des Capulet créent une représentation musicale convaincante de la grande tragédie de Shakespeare. à laquelle peu de gens peuvent résister.

Au programme du concert de ce soir, la musique de la transcription réalisée par le compositeur hollandais Johan De Meij provient des suites tirées du ballet de Prokofiev ainsi que d’une composition pour piano solo. Le présent arrangement pour orchestre à vents de Johan de Meij est conçu à partir des suites orchestrales, sans toutefois être une transcription littérale de ces œuvres.

Guy Woolfenden

« Gallimaufry » : Un fatras, n'importe quel fouillis confus, mais à proprement parler un méli-mélo composé de tous les rebuts du garde-manger. Voir Shakespeare, The Winter’s Tale (Le Conte d’hiver) « a gallimaufry of gambols » (un pot-pourri de gambades).

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L’œuvre est exécutée de façon continue et le matériel thématique de chacune des six sections est étroitement lié.

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Premier mouvement : Église et État
Leadership; l’établissement; le pouvoir temporel et ecclésiastique.

Deuxième mouvement : À la taverne : entrées et sorties
Taverne Tête de sanglier; les ragouts; les régals de « p’tite vie ».

Troisième mouvement : Hauts et bas
Bagarre à la taverne : Embuscade de Gadshill; Pistolet « le fanfaron » évincé; Le sauvetage de Maîtresse Quickly.

Quatrième mouvement : Père et Fils
Relation du roi Henry et Falstaff avec le prince Hal; parent réel et substitut.

Cinquième mouvement : Avance et retraite
Marche de recrutement tirée de l’air de la Taverne.

Sixième mouvement : Église et Statu quo
Falstaff est rejeté. Hal devient roi; l’ordre est restauré.